НАПРАВЛЕНИЯ В СОВРЕМЕННОМ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ. 1970-Е ГОДЫ (ЧАСТЬ 4)

НАПРАВЛЕНИЯ В СОВРЕМЕННОМ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ. 1970-Е ГОДЫ (ЧАСТЬ 4)

  • Боди-арт (Body Art)

Бодиарт (от английского слова body art – искусство тела) представляет собой одну из форм авангардного искусства, в котором главным объектом творчества является тело человека.

 

Бодиарт – это достаточно широкое понятие, включающее в себя различные виды украшения человеческого тела. Сюда относятся: пирсинг, татуировки, шрамирование, роспись тела, имплантации, клеймирование. Бодиарт может, как восхищать, так и пугать. Многие из этих видов декора сопряжены с болью и даже риском для здоровья, как, например, пирсинг или шрамирование. На такое украшение собственного тела в основном идут только самые экстремальные представители молодежи. Не каждый отважиться вытерпеть клеймирование или решиться вживлять себе под кожу посторонние предметы. Тем же, кто не хочет терпеть боль, больше всего подойдет роспись по телу или боди-пейнтинг. Кстати говоря, у нас в стране термин «бодиарт» обычно и употребляется в значении «боди-пейнтинга». Это связано с тем, что смысл данного выражения более понятен, и оно проще запоминается.

Истоки бодиарта

Истоки бодиарта нужно искать в глубокой древности. Человек стремился украшать свое тело во все времена. Наши предки расписывали свои тела фантастическими рисунками. Делалось это для того, чтобы навлечь страх на врагов. Кроме того, такие рисунки обозначали статус человека в обществе. Использовались они и в ритуальных целях. До сих пор традиции росписи тела существуют у аборигенов Африки, Южной Америки, Австралии. Так, например, коренные жители Австралии во время танцев традиционно раскрашиваются разноцветной охрой или природной глиной.

Понятное дело, что в современном мире бодиарт уже не выполняет свои первоначальные функции. Сегодня он дает отличную возможность к самовыражению, позволяет проявить свою индивидуальность и подходит для тех, кто мечтает выделиться. Если подходить к процессу бодиарта творчески, то свое тело можно превратить в настоящее произведение искусства. Можно предположить, что мода на бодиарт будет существовать еще очень долго.

Бодиарт сначала стал пользоваться большой популярностью в Америке в 1960-70-х годах прошлого века. Затем он начал распространяться и в другие страны. Считается, что современная роспись по телу находится на стыке графики, декоративно-прикладного искусства, макияжа и дизайна.

Источник: http://www.inmoment.ru

  • Видео-арт (Video Art)

Видео-арт (англ. video art) – направление в изобразительном искусстве последней трети XX века, использующее возможности видеотехники. В отличие от телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видеоарт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах.

Видеоарт и Нам Юнь Пайк

Самым значительным основоположником направления считается американец корейского происхождения Нам Юнь Пайк, который происходил из Сеула, изучал искусство, в том числе историю музыки, в Токийском университете (с 1953 года), после этого переехал в ФРГ и продолжил свое образование в Мюнхенском университете. В конце 1950-х годов работал в студии электронной музыки в Кельне, где познакомился с Дж. Кейджем, глубокую эстетику которого впитал в свое художественное сознание. Скорее всего, по этой причине искусство видеоарта неразрывно связано своими эстетическими корнями с электронной музыкой и использует некоторые ее компоненты.

Персональная выставка Пайка в Вуппертале (1963) считается первой значительной вехой видеоарта, окончательно превратившего телевидение, а затем и видеозапись из средств фиксации и передачи изображения в самостоятельную, а не прикладную сферу творческих экспериментов.

Весь мир считает, что видеоарт как авангардное искусство возник на почве протеста массовому телевещанию. Неизвестно, был ли такой протест главной идеей в видеошедеврах Пайка, но сегодня всем ясно, что видеоарт является серьезной альтернативой телевидению. Увы, к России это не относится: видеоарт здесь пока не получил такого развития, как на Западе.

В 1964 году, переселившись в Нью-Йорк, Пайк устраивает ряд сенсационных перформансов в сотрудничестве с виолончелисткой Ш. Мурман (например, на одной из таких постановок Мурман играла в экстравагантном наряде, изюминкой которого был бюстгальтер с вмонтированными в него маленькими мониторами).

Пайк стал известен особенно широко, когда к созданным им экспериментальным фильмам присоединились “видеоскульптуры”: “ТВ-Будда” (1974), “ТВ-сад” (1974-1778),”Семья робота” (1986). Экраны, вмонтированные в скульптуры отдельно друг от друга или в виде единого “электронного панно” с массой экранов-ячеек, демонстрировали ритмически скомпонованные программы (как авторские, так и взятые из обычных телетрансляций) – в совокупности все это образовывало сложные визуальные симфонии. Пайк стремился передать в своих работах состояние артистически контролируемого хаоса, выражающего идеи модернизированного дзен-буддизма.

“Видеоскульптуры”, придуманные Пайком, впоследствии стали называть “видеоинсталляциями” и определять как жанр искусства. Сегодня “видеоинсталляцией” могут назвать и одноэкранную проекцию, и мультиэкранную, и более сложные экспозиционные структуры, но главным в этом жанре остается видеоизображение, которое воспроизводится или на телевизионных мониторах, или на проекционных экранах, или одновременно и там, и там. Со времен пионера видеоарта Пайка, по сути, в этом виде искусства ничего не изменилось.

Пайк успел стать родоначальником еще одного жанра видеоискусства – видеооперы (яркий пример – “Койот 3”, 1997). Несколько экранных программ взаимодействуют в пространстве, раскрашенном лазерными лучами, – это и называется видеооперой.

Предпосылки возникновения видеоарта

Можно считать, что видеоарт как явление искусства стал развиваться после того, как нескольким известным художникам (Энди Уорхол, Налжин Пайк, представители группы The Kitchen) были подарены только что появившиеся на рынке портативные камеры Sony Portapack, чтобы они осваивали новую технологию.

Наджин Пайк писал, что подобно тому, как техника коллажа (модная в то время) сменяет живопись, так катодная трубка заменит холст, а паяльник – кисть. Благодаря актуальным художникам искусству удалось проникнуть в новые сферы и создать не только видеоискусство, но и мультимедийные театр и интернет.

Телевидение предоставило художникам новые возможности свести свои произведения к выражению личной концепции. Жизнь art’иста всегда была нелегкой, и в США были созданы настоящие видеогетто: на общественные телеканалы художников не допускали даже для работы, хотя они туда особенно и не рвались. Совсем другая ситуация происходила в 1990-е годы в России, когда и у российских художников появилась возможность свободно использовать видеотехнику. Многие видеохудожники в 1994-1995 году ушли на телевидение и после такого “исхода” творчески скончались. Именно творчески и как художники, которые умеют рождать идеи и мыслить концептуально. Однако в США, благодаря фонду Рокфеллера, были созданы две художественные студии: художники Бостона и Сан-Франциско могли упражняться как люди искусства, а не жить борясь за дензнаки. В одну из таких студий входили такие известные личности, как Билл Виола, Гарри Хил, Джон Кейдж.

До появления портативных видеокамер художники экспериментировали с телевизором как со скульптурным объектом и таким образом создавали массмедиальные скульптуры. Пример этого жанра – выставка немецкого художника Фольсталя, который выразил в своих произведениях отношение к фальши, коррупции, засилью рекламы и денежному маскараду, царившим в СМИ. Фольсталь выставил в галерее размалеванные, разбитые и расстрелянные телевизоры, а вместе с ними – свое отношение ко лжи, которую навязывают адресатам массмедиа. Такая тенденция видеоарта впервые стала проявляться в работах американских художников в 1960-е годы, в 1970-х эта волна захлестнула европейских художников, особенно Франции и Германии. Уже более 40 лет жива эта любовь/нелюбовь видеоарт-художников к телевидению.

Однако массмедиальные скульптуры требовали выставок в галереях, куда художников не пускали и куда они сами не стремились. С появлением компактных видеокамер (1965) эта проблема решилась: в руках у художников появилось новое средство для разнообразных экспериментов именно с видеотехнологией – от концептуальных до абстрактно-технологических проектов.

Источник: http://www.malbred.com/

  • Гиперманьеризм (Hypermanierism)

Анахронизм (от греч. ana – обратно, против и hronos – время; другое название – гиперманьеризм) – одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого.

Явившись результатом отрицания модернизма (т.е. авангардистского направления в искусстве), постмодернизм объявил своей целью возврат к старым, предмодернистским формам, историческим традициям и стилям предшествующей многовековой культуры. В поисках новых форм художники-постмодернисты смешивают художественные стили и языки различных эпох и культур, создавая на этой основе индивидуальную мифологию, соотнесенную с личным опытом автора. Зачастую такие заимствования отличаются остроумием, когда художник, аппелируя к разнообразным живописным цитатам и отсылкам, придумывает некую гипотетическую культуру и по заданным правилам «творит» ее образы.

Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Ее важнейшим духовным источником стало творчество Джорджо Де Кирико, обратившегося в 1920-х гг. после «метафизического периода» к классическому искусству.

Анахронисты, или «культурные художники», как они сами себя называют, вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры. По сути своей гиперманьеристы – стилизаторы, обратившиеся к критическому анализу истории искусства с позиций концептуализма.

Идея, концепция, художественная цитата – основа диалога художника с прошлым, в результате которого возникают индивидуальные исторические миры и персональные стили, творения, напоминающие музейные и археологические подлинники, в которых причудливо переплелись образы прошлого и настоящего.

Мастера Анахронизма – Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Источник: http://www.izostili.ru/

  • Неоэкспрессионизм (Neoexpressionism)

Неоэкспрессионизм (Neo-expressionism) — направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Неоэкспрессионисты:

Германия – Георг Базелиц Anselm Kiefer Jörg Immendorff

Америка – Жан-Мишель Баския Eric Fischl Дэвид Салле (David Salle) Джулиан Шнабель Edgar Yaeger

Франция – Rémi Blanchard François Boisrond Robert Combas Hervé Di Rosa

Италия – Francesco Clemente Sandro Chia Enzo Cucchi

Англия – David Hockney Frank Auerbach Leon Kossoff

Южная Африка – Marlene Dumas

Испания – Miquel Barcelo

Неоэкспрессионизм – это тенденция в творчестве определенных художников США и Европы, особенно Германии, возникшая в конце 1970-х годов. Художники вновь обратились к выразительным возможностям экспрессионизма, создавая каждый раз глубоко индивидуальный стиль, часто заряженный агрессией и нервным напряжением.

Источник: sites.google.com

  • Поп-сюрреализм (Lowbrow)

Lowbrow Art или поп-сюрреализм – направление изобразительного искусства, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-ых годов. Сам термин “lowbrow” появился в 1979 году. Это направление известно и под именем поп-сюрреализма. На становление Lowbrow-движения широко повлияло панк-музыка, поп-искуссство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Panter, и художники Гэри Байсмэн (Gary Baseman) и Тим Бискуп (Tim Biskup). Их работы были показаны в альтернативных галереях в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Многие художники стиля lowbrow начинали свою карьеру в областях, которые обычно не рассматриваются как изобразительное искусство, такие как, нанесение татуировок, комиксы. К этому направлению принадлежали и композиторы Стэн Риджуэй (Stan Ridgway) и Пьетр Весстоун (Pietra Wexstun). Движение постепенно выросла до сотни художников, появились собственные журналы и галереи. Художники стали выставлять свои работы в lowbrow галереях. К движению примкнули Джо Коулман, Марк Риден (Mark Ryden), Роберт Уильямс, Мануэль Окампо, Georganne Дин, Лиза Yuskavage, Kelly D. Уильямс, Кенни Шарф, Такаши Мураками, Инка Essenhigh, Джим Шоу, Джона Currin, Майк Келли, Барри McGee, Маргарита Kilgallen. Lowbrow-стиль распространился по всему миру, он был перемешан с другими тенденциями в изобразительном искусстве. Lowbrow Art западного побережья США отличается от поп-сюрреализма восточного побережья. В настоящее время существуют различия между lowbrow-художниками в разных регионах и местах. Большинство lowbrow произведений являются картины, но есть также игрушки, цифровое искусство и скульптура. Lowbrow Art поставил под сомнение различия между высоким и низким искусством, между изобразительным искусством и народной культурой. Границы между высокой и низкой культурой были размыты.

Наиболее выдающиеся lowbrow художники – Марк Риден (Mark Ryden), Роберт Уильямс, Джо Коулман, Энтони Ausgang, The Pizz, Josh Agle, Niagara, Стейси Lande, Тодд Schorr, Камиль Роза Гарсия и Элизабет Макграф – внесли значительный вклад в искусство конца 20 -начала 21 веков. Mark Ryden Американец Марк Риден (Mark Ryden) живёт и работает в Лос-Анджелесе, в Калифорнии. Его картины – это смесь большеглазых маленьких девочек, мяса, католической и буддийской символики и американских карнавалов. Camille Rose Garcia Американка Камиль Роза Гарсия в детстве посещала Диснейленд и общалась с панками. В настоящее время художница живет и работает в Лос-Анджелесе. Ее живопись получила мировое признание.

Источник: http://galleryart.jimdo.com/

  • Постминимализм (Postminimalism)

Постминимализм — стиль в искусстве, развившийся в 1970-х, сохраняющий формальную простоту минимализма, но стремящийся к более широкому смысловому наполнению.

Основные характеристики постминимализма как особой художественной концепции, как-то: внимание к процессуальности, использование повторений, апелляция к глубинным скрытым структурам сознания, вовлечение…, ставшие ключевыми для формирования целого направления, появляются в качестве конструктивных элементов в совершенно непредсказуемых контекстах, выходящих за пределы искусства как такового.

Постминимализм есть в первую очередь другой тип движения. Это возврат, но не возврат к некому арсеналу средств художественного выражения, а возврат как направление хода: к непройденной стадии экспликации понятия (отказа). Минимализм демонстрирует только продукт отказа, но минимальное не может быть продуктом, результатом — уместнее было бы вести речь о бесконечно малых, т.е. о функциях. Постминимализм исследует, в чем состоит само это отказывающее действие. Он действительно впускает ничто и признает его своей «частью», за счет которой и поддерживает существование-несуществование произведения.

Источник: http://visart.info/

  • Соцарт

Соц-арт ( социалистическое искусство) – одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так наз. Альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Повальное господство вещевого фетишизма в капиталистическом обществе перекликалось с засильем советского идейного мифотворчества. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, -с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления.

Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид, вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников , разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеалогии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать , т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.

Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин.

Источник: http://www.izostili.ru/

  • Трансавангард (Trans avant-garde)

Трансавангард – (от латинского trans – сквозь, через и французского avant-garde – авангард) – течение в европейской живописи постмодернизма, возникшее в Италии в конце 1970-х гг. Трансавангард обращается к традиции европейского авангардизма, по-разному преломляя ее в творчестве основных представителей течения (в Италии С. Киа, Ф. Клементе, Э. Кукки и др.). Главный теоретик трансавангарда – А. Бонито Олива, представивший работы трансавангардистов на биеннале 1980 и 1982 гг. в Венеции. В центре внимания трансавангарда — проблемы телесности (Ф. Клементе), народных верований (М. Паладино), современной интерпретации эстетического наследия кубизма, футуризма С. Чиа), сюрреализма (У. Кучча), “неформальной” традиции в живописи 1950-1960-х гг. (Н. Де Мариа). Яркость колористических решений, подчеркнутая экспрессивность художественного жеста сочетается на их полотнах со свободой историко-культурных ассоциаций от античности до великих мастеров XX века. Заявившее о себе в конце 1970-х годов как чисто итальянский феномен это направление уже в начале следующего десятилетия получило мировую известность и нашло своих приверженцев во многих странах. Трансавангард возродил интерес к живописной изобразительности. Термин “трансавангард” переносится и на другие течения европейской живописи, сходные по целям (в т. ч. “новые дикие” в Германии – Георг Базелиц и др.), свободно черпающие мотивы и методы своего творчества в искусстве прошлого.

Источник: http://artdic.ru/

  • Феминизм (Feminist Art)

Арт-феминизм (или феминистское искусство, англ. feminist art) — искусство, созданное сознательно в контексте феминистской теории искусства. В начале семидесятых кризис доверия к культуре модернизма, в которой доминировали мужчины, наиболее полно выразился в среде художниц, исповедовавших феминизм или его тогдашние разновидности. Как движение арт-феминизм возник в конце 1960-х — начале 1970-х. Он не был связан с каким-либо конкретным стилем или медиа, а характеризовался рядом усилий, направленных на предоставление женщинам места в мире, особенно в мире искусства. Арт-феминизм является одним из самых значительных преобразований в изобразительном искусстве второй половины двадцатого столетия.

«Женщины-художницы бунтуют»

Коалиция работников искусства одним из 13 требований, выдвинутых перед музеями в 1970-м, назвала необходимость «преодолеть несправедливость, веками проявляемую по отношению к женщине-художнице, установив при организации выставок, приобретении новых экспонатов и формировании отборочных комитетов, равную представительную квоту для художников обоих полов». В феврале 1970 чернокожая художница Фэйт Ринголд (Faith Ringgold) решила выразить протест против выставки в Школе изобразительных искусств в Нью-Йорке, так как все участники были мужчины. Она объявила, что если организаторы не включат в состав выставки пятьдесят процентов женщин, начнется «война». Вскоре к Ринголд присоединилась критик Люси Липпард (Lucy Lippard) и возникла группа влияния под названием «Женщины-художницы бунтуют» (Women Artist in Revolution, сокращенно WAR — «война»). Группа выражала протест против дискриминации женщин на ежегодных экспозициях в Музее Уитни, ратовала за увеличение процента женщин-участников до 50 процентов. В дальнейшем они предприняли шаги по организации собственных выставок и галерей.

Дискурс

В 1971 искусствовед Линда Нохлин (Linda Nochlin) опубликовала в «Арт Ньюз» и в каталоге к выставке «25 современных художниц» новаторское эссе Почему нет великих художников-женщин? («Why Have There Been No Great Women Artists?»), в котором исследовала социальные и экономические факторы, которые помешали талантливым женщинам достичь того же статуса, что и их коллеги-мужчины. Предметом рассмотрения Нохлин стал вопрос, есть ли в женском творчестве какая-то сугубо женская суть. Нет, не имеется, настаивала она, и не может иметься. Соглашаясь, что великих художников ранга Микеланджело среди женщин нет, она утверждала, что причины кроются в системе общественных институтов, включая образование, где доминируют мужчины и принижается значение женщины. Один из доводов Нохлин состоял в том, что концепции «гения», «мастерства» и «таланта» разработаны мужчинами применительно к мужчинам, и следует поражаться, что женщины вообще чего-то добились.

Подход Липпард к этому вопросу оказался другим. Она была убеждена, что скрытая особенность в образной системе женщин-художниц все-таки есть. К 1973 она выделила круг особенностей женского творчества: «плотность, однородная текстура, …преобладание округлых форм и центральная фокусировка, повсеместно линеарные, выпуклые или параболические, самодовлеющие формы, слои и напластования, неуловимая неопределённость исполнения, склонность к розовым, пастельным… тонам».

К 1980-м такие искусствоведы, как Гризельда Поллок (Griselda Pollock) и Rozsika Parker, изучая язык истории искусства с его гендерными терминами, такими как «старый мастер» (old master) и «шедевр» (masterpiece), поставили под сомнение центральное место обнаженной женской натуры в западном каноне, спрашивая, почему мужчины и женщины представлены столь по-разному.

В книге Ways of Seeing (1972) критик Джон Бергер (John Berger) заключил, что «Мужчины смотрят на женщин. Женщины видят себя рассматриваемыми» («Men look at women. Women watch themselves being looked at»). Другими словами, западное искусство повторяет неравные отношения, уже заложенные в обществе.

В работах по истории искусства, таких как эссе Кэрол Дункан «Мужской диктат в авангардистской живописи начала ХХ века», опубликованном в Артфоруме в начале 1974, прозвучали нотки скептицизма относительно качества обзоров современного искусства (посвящённых мужчинам и написанных ими же), большинство которых по-прежнему выводило на первый план представление о мужчине-гении, который овладевает своим материалом как женщиной.

Источник: wikipedia.org

  • Фотореализм (Photorealism)

Гиперреализм (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.), направление в изобразительном искусстве последней трети двадцатого века, сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Гиперреализм — художественное течение в живописи и скульптуре, основанное фотографическом воспроизведении (копировании) действительности. В 1973 году Иса Брахот предложил термин “гиперреализм” как мягкий французский синоним слишком жесткого слова “фотореализм”. И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок поп-арту.

Их прежде всего объединяет возврат к сложной фигуративности рисунка и композиции. Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, “технологичный” характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет “человека с улицы”, создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.

Вместе с тем, наряду с тенденциями “масс-медиатизации” искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптические эффекты, монтаж, полиэкран, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Гиперреализм возник в США в конце 60-х годов и стал заметным событием в мировом изобразительном искусстве. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно определенной тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттингэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн).

Гиперреализм выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации художественного концепта. Художественный опыт гиперреализма явился предтечей неомодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью постмодернистского художественного языка. Так, “навязчивый реализм” (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает традиционную натуралистическую технику с современными кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности: гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на фоне самодостаточной вещности мира.

Почти тридцать лет спустя, после появления этого направления в живописи и скульптуре, термин “гиперреализм” стали использовать для определения творчества новой группы художников. Современный гиперреализм основывается на эстетических принципах фотореализма, но в отличие от последнего, не стремится буквально копировать повседневную реальность. Объекты и сцены в гиперреалистичной живописи детализированы, чтобы создать яркую иллюзию реальности. Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма: Бернардо Торренс (Bernardo Torrens), Мэл Рамос (Mel Ramos), Скотт Прайор (Scott Prior), Уилл Коттон (Will Cotton), Жак Боден (Jacques Bodin), Педро Кампус (Pedro Campos), Чак Клоуз (Chuck Close), Жиль Эно (Gilles Esnault), Рон Мьюек (Ron Mueck), Роберто Бернарди (Roberto Bernardi), Чиара Албертони (Chiara Albertoni), Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) и др.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Джон де Андреа, чьи выполненные в натуральную величину скульптуры исполнены с эротико-иронической холодностью. С ними согласуется физиологизм персонажей-прототипов скульптур Дуэйна Хэнсона, а также гиперреалистическая сексуальная символика мощных фигур атлетического реализма Роберта Грэхема.

Источник: http://smallbay.ru/

  • Флуксус (Fluxus)

От англ. fluxus, flux — течение, поток, движение — направление в искусстве 60-х, объединившее группу художников из Европы и США, отказавшихся от традиционных форм искусства. Участники флаксуса проводили хэппенинги, перформансы, занимались видеоартом, авангардной поэзией, работали в эстетике «вещи», «объекта». Лидер движения — друг и коллега Кейджа Джордж Мачюнас, среди участников — Йоко Оно и др. Флаксус объединил эстетические принципы дадаизма, поп-арта, конкретику хэппенингов, использовал технику коллажа и фактор случайности. Кейдж и корейский музыкант-концептуалист Нам Юн Пайк были фигурами первой величины в развитии концептуальных музыкальных (Кейдж) и видеоинсталляций (Пайк). Во флаксусе под произведением искусства понимали не результат творческой деятельности, а процесс, концепцию, идею.

Флуксус – (от английского Flux – течение, поток, постоянная смена, постоянное движение) арт-движение, появившееся в 1950-е, оформившееся в начале 60-х и пришедшее в упадок к 1969 году. Основатель – Джордж Маккинас (Нью-Йорк, ум. 1978 г.). Целью проектов движения изначально было представление бытовых, каждодневных поступков и обыденных объектов в артистической и эстетической среде с целью изменить и расширить их восприятие (простота и причудливое, вредное, эксцентричное чувство юмора). Организовала в Европе несколько фестивалей и концертов (среди участников художник Вольф Фостелл и др.).

ФЛУКСУС (лат. fluxus – течение, поток) – международное движение авангардизма, возникшее в начале 1950-х гг. в США и оформившееся в 1962 г. по инициативе западногерманского художника Йозефа Бойса. Цель флуксуса – слияние в одном “потоке” различных способов художественного выражения и средств коммуникации: конкретной и электронной музыки, визуальной поэзии, движения, символических жестов. Основной принцип – абсолютная спонтанность, произвольность, отказ от любых ограничений, что достигалось такими формами, как хэппенинг, деколлаж, различные уличные акции и представления, антитеатр. Фестивали флуксуса проводились в Париже, Амстердаме, Копенгагене, Лондоне, Нью-Йорке. В движении флуксуса участвовали Вольф Фостель, Джордж Мацюнас, Роберт Филью, Джордж Брехт, Бен Вотрие, Йоко Оно, Генри Флинт, Роберт Уотс.

Источник: http://visart.info/

2,915 просмотров всего, 2 просмотров сегодня

Похожие статьи

Яндекс.Метрика